Giacobbe Giusti, Basilica of Saint Nicolas of Tolentino

Giacobbe Giusti, Basilica of Saint Nicolas of Tolentino

Particolare delle Nozze di Cana

Giacobbe Giusti, Basilica of Saint Nicolas of Tolentino

Cappellone di san Nicola

 

Giacobbe Giusti, Basilica of Saint Nicolas of Tolentino

Orazione nell’Orto

 

Giacobbe Giusti, Basilica of Saint Nicolas of Tolentino

 

Le Maestro della Cappella di San Nicola ou Maestro di Tolentino est un peintre italienanonyme du xiv^e siècle qui a exécuté avec talent les représentations figuratives du cycle de fresques de la chapelle Saint-Nicolas de Tolentino.

Il a fait débat entre les historiens d’art, certains le voyant comme un élève de Giotto, d’autres comme un peintre indépendant.

On peut le classer dans l’école giottesque de Rimini.

Giacobbe Giusti, Basilica of Saint Nicolas of Tolentino
Facade of the Basilica di San Nicola a Tolentino
Basic information
Location	Tolentino, Italy
Affiliation	Roman Catholic
District	Marche
Country	Italy
Ecclesiastical or organizational status	Minor basilica
Website	www.sannicoladatolentino.it
Architectural description
Architectural type	Church
Architectural style	Baroque

The Basilica of Saint Nicolas of Tolentino (Italian: Basilica di San Nicola a Tolentino) is a Roman Catholic church and minor basilica that is part of the Augustinian monastery in the hill-town ofappellone di San Nicola is a Gothic chapel that opens to the cloister. The walls and ceiling are covered with early-14th century, Giottesque frescoes, attributed variously to the Master of Tolentino, the Master of the Magi of Fabriano, or Pietro da Rimini, depicting scenes from the Life of St Nicholas of Tolentino, Life of the Virgin, and episodes of the life of Christ., central Italy. The church is a former cathedral of the Roman Catholic Diocese of Tolentino, suppressed in 1586.^[1]

It contains architecture and art from the 14th through the 17th century. The imposing marble facade of the church was constructed over the centuries, and was completed in the 17th century.^[2]

Interior

Chapels

• Cappellone of San Nicola

The Cappellone di San Nicola is a Gothic chapel that opens to the cloister. The walls and ceiling are covered with early-14th century, Giottesque frescoes, attributed variously to the Master of Tolentino, the Master of the Magi of Fabriano, or Pietro da Rimini, depicting scenes from the Life of St Nicholas of Tolentino, Life of the Virgin, and episodes of the life of Christ. The spandrels of the chapel depict the four evangelists and four doctors of the church. The altar has a 15th-century polychrome stone statue of the saint, attributed to Niccolò di Giovanni, atop a funereal memorial. The saint’s tomb lies in the crypt. The frescoes appear to have been completed within a few decades of the saint’s death in 1305.

• Chapel of the Sante Braccia (Holy Arms)

This chapel was erected for the veneration of the relics of the saint’s arms. It is entered through a 17th-century portal, which enters what was once the sacristy and leads to the 15th-century chapel, reconstructed in 1670 to accommodate more pilgrims. In 1819, the walls were decorated with polychrome marble in scagliola by Stefano da Morrovalle. In 1850 the ceiling was decorated with stars by Emidio Pallotta. In 1662, the dome had been decorated with a stuccowork depicting Paradise by Marco Antonio Baraciola, an artist from Como.^[3] The lateral walls have two large canvases: a Fire in the Ducal Palace of Venice by Matteo Stom and a Plague affecting a Venetian city by Giovanni Carboncino. They were donated in the 17th century, and erected as allegories for the miraculous interventions of the saint. The walls are replete with ex voto donations. Six statues in stucco and bas reliefs beside the windows allude to the Virtues of the saint are by Giambattista Latini da Mogliano, based on designs by Pallotta.

• Chapel of St Anne (Sant’Anna)

This chapel, the first on the right, originally commissioned by the Benadduci family, houses a main altarpiece of the Vision of the Virgin by St Anne by Guercino. The lateral wall on the left has a canavas depicting the Glory of St Lucy with two Augustinian Saints (1754) by Marcantonio Romoli, a pupil of Placido Costanzi and Sebastiano Conca. The right wall has a 17th-century Prayer in Gesthemane.^[4]

• Chapel of the Sacro Cuore (Sacred Heart)

This chapel, the second on the right, has a main altarpiece depicting the Sacred Heart of Christ shown to Saint Margherita Maria Alacoque (1920) by Virgilio Monti. The wooden crucifix on the right is said to be that venerated by St Nicola himself. There is also a 17th-century canvas depicting the Madonna, St John Evangelist, and Magdalen at the foot of the Cross^[5]

• Chapel of the Beata Virgene del Buon Consiglio (Blessed Virgin of the Good Counsel)

This chapel, the third on the right, has a copy of the icon of this Marian veneration found at the Augustinian Sanctuary of Genazzano. This copy (1850) was completed by the Augustinian Giovanni Gerold and gilded by Tito Beccachiodi of Recanati. The walls were decorated with the Story of the Icon (1873) by Villebaldo Natali.^[6]

• Chapel of the Virgine della Pace (Virgin of Peace)

This chapel, the fourth on the right, has an altarpiece depicting this veneration, Madonna dell’Ulivo (1810) by Giuseppe Lucatelli. A late 18th-century painting on the right shows St Nicola releasing souls from purgatory. The altar holds the relics of the Roman martyr Lorenzina in a casket with a wax body.^[7]

• Chapel of St Thomas of Villanova

This chapel, the first on the left, has an altarpiece depicting Charity of St Thomas(1663) by Giuseppe Ghezzi.^[8]

• Chapel of the Beata Virgene di Consolazione (Blessed Virgin of Consolation)

This chapel, the second on the left, was commissioned by the Confraternity of Cinturati (Pregnant). The altarpiece depicts the Madonna pregnant between St Augustine and Ste Monica (1858) by Luigi Fontana, copied after a painting of Giovanni Gottardi in the church of Sant’Agostino in Rome.^[9]

• Chapel of Santa Rita

This chapel, the third on the left, has a main altarpiece depicting Santa Rita (1912) by Girolamo Capofierri, a pupil of Emidio Pallotta. The painting is a copy of the canvas by Giacinto Brandi in the church of Sant’Agostino in Rome.^[10]

• Chapel of the Madonna dei Miracoli

This chapel, the fourth on the left, has a main altarpiece depicting a Miracle of San Giovanni da San Facondo reviving a young girl (1691) by Giovanni Anastasi.^[11]

Artwork in main church

The main altarpiece in the basilica is by Marchisiano di Giorgio (1518–1526).^[12]

Other paintings depict the Mystical night of St. Catherine of Alexandria with Saints Nicola and Anthony of Padua by Simone de Magistris, the Apparition of the Madonna of Loreto to San Nicola attributed to Antonio Francesco Peruzzini. A San Nicola da Tolentino attributed to Simone de Magistris. Other paintings are attributed to Guercino and Rossellino.

Burials include that of St. Nicholas of Tolentino.

Notes

1. Jump up^ Today part of the Roman Catholic Diocese of Macerata-Tolentino-Recanati-Cingoli-Treia
2. Jump up^ Picture of the facade
3. Jump up^ Il sesto centenario di San Nicola da Tolentino: periodico mensile religioso, page 375.
4. Jump up^ Basilica site, entry on Chapel of St Anne.
5. Jump up^ Basilica site, entry on Chapel of the Sacred Heart.
6. Jump up^ Basilica site, entry on Chapel of the B.V. del Buon Consiglio.
7. Jump up^ Basilica site, entry on Chapel of Vergine della Pace.
8. Jump up^ Basilica site, entry on Chapel of San Tomasso da Villanova.
9. Jump up^ Basilica site, entry on Chapel of the B.V. di Consolazione.
10. Jump up^ Basilica site, entry on Chapel of Santa Rita.
11. Jump up^ Basilica site, entry on Chapel of Madonna dei Miracoli.
12. Jump up^ on loan from Galleria Nazionale d’Arte Antica of Rome.

References

•  Herbermann, Charles, ed. (1913). « St. Nicholas of Tolentino« . Catholic Encyclopedia. New York: Robert Appleton Company.

https://en.wikipedia.org/wiki/Basilica_di_San_Nicola_a_Tolentino

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Giacobbe Giusti, ARNOLFO di CAMBO: Dormitio Virginis

Giacobbe Giusti, ARNOLFO di CAMBO: Dormitio Virginis

Giacobbe Giusti, ARNOLFO di CAMBO: Dormitio Virginis

Autori	Arnolfo di Cambio e aiuti
Data	1300-1305 circa
Materiale	marmo
Dimensioni	60×177 cm
Ubicazione	Berlino, Bode-Museum

Ricostruzione della lunetta

La Madonna della Natività è un gruppo scultoreo in marmo(60x177cm) di Arnolfo di Cambioe aiuti, databile all’inizio del XIV secolo, proveniente dall’antica facciata di Santa Maria del Fiore e oggi conservato nel Bode-Museum a Berlino.

Storia e descrizione

La lunetta del portale destro di Santa Maria del Fiore ospitava la rappresentazione della Dormitio Virginis (morte di Maria), con la Madonna sdraiata e alcune figure e rilievi di contorno. Distesa, a riprendere la posizione della Madonna della Natività sulla lunetta sinistra, Maria tiene gli occhi chiusi e le braccia incrociate nella tipica posizione dei defunti, mentre san Giovanni apostolo si inchina ai suoi piedi abbracciandole le gambe in una drammatica ma composta posizione di compianto. Il gruppo venne rinvenuto da Swarzenski nel 1904 tra le opere in vendita da Stefano Bardini, assieme ad altre sculture come la Madonna della Natività, prendendo poi la via di Berlino, dove venne gravemente danneggiata durante la seconda guerra mondiale. Una descrizione anonima della facciata e un disegno di Bernardino Poccetti prima della demolizione riportano come fosse presente anche una figura di Cristo che teneva l’animula di Maria in braccio e gli apostoli: di queste figure si conoscono due teste frammentarie pure a Berlino, una già all’Opera del Duomo perduta con l’alluvione di Firenze, e una barbuta al Bargello (altezza 40 cm), mentre la testa di Gesù con quella della bambina Maria (di fattura non eccelsa, attribuite alla bottega) sono nel Museo dell’Opera del Duomoa Firenze.

Concepita per essere osservata dal basso, creava una sorta di effetto trompe l’oeil spiccando in volume pur senza presentare uno spessore particolarmente ampio. Soprattutto il san Giovanni ha una forte valenza plastica, col trattamento della testa che ricorda la scultura ellenistica, da mettere in relazione con altre opere già in facciata, come la statua di Bonifacio VIII. In occasione di una mostra del 2005al Museo dell’Opera venne esposta anche la figura di un apostolo incurvato, da una collezione privata.

Bibliografia

• AA. VV., Il museo dell’Opera del Duomo a Firenze, Mandragora, Firenze 2000. ISBN 88-85957-58-7
• AA. VV., La collezione di sculture al Bode-Museum, Prestel, Monaco di Baviera, 2011. ISBN 978-3-7913-4260-3

 

• Facciata di Santa Maria del Fiore

https://it.wikipedia.org/wiki/Dormitio_Virginis_(Arnolfo_di_Cambio)

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Giacobbe Giusti, SPINELLO ARETINO: Matrimonio mistico di Santa Caterina d’Alessandria tra santi

Giacobbe Giusti, SPINELLO ARETINO: Matrimonio mistico di Santa Caterina d’Alessandria tra santi

Giacobbe Giusti, SPINELLO ARETINO: Matrimonio mistico di Santa Caterina d’Alessandria tra santi
Autore	Spinello Aretino
Data	1390
Tecnica	affresco
Ubicazione	basilica di Santa Trinita, Firenze

Il Matrimonio mistico di Santa Caterina d’Alessandria tra santi è un affresco staccato di Spinello Aretino, databile al 1390 circa e conservato nella Cappella Cialli-Seringi della basilica di Santa Trinitaa Firenze. Proviene dall’attigua Cappella Bartolini Salimbeni, dove venne ritrovato, con la sinopia, sotto gli affreschi di Lorenzo Monaco nel 1961.

Storia

La quarta cappella della navata destra di Santa Trinita apparteneva ai ricchi mercanti Bartolini Salimbenialmeno dal 1363. L’affresco di Spinello Aretino venne messo in relazione da Cristina di Benedictis con una certa Lisa, moglie di Bartolmeo Bartolini Salimbeni, morta entro il 1390: in questo senso si spiegherebbe la presenza dei santi Elisabetta e Bartolomeo. La donna, rappresentata piccola in basso in abito di terziaria francescana, sarebbe stata omaggiata dal marito con l’affresco, che ne esaltasse la memoria e le virtù cristiane, come se fosse stata una religiosa.

Al momento della nuova decorazione ad affresco (1420 circa) Lorenzo Monaco, il cui stile è debitore dell’esempio di Spinello, dovette cercare di salvare alcuni dettagli asportando pezzi interi di intonaco e forse di muratura, non essendo conosciuta la tecnica dello strappo: ciò venne ipotizzato da Ugo Procacci nel riscontrare la mancanza di elementi basilari quali il volto di santa Caterina, della Vergine, o il cerchio attorno alla testa di san Bartolomeo che denota un tentativo di asportazione. Infine si rinunciò, procedendo a operare le scalfiture e martello per far aderire il nuovo intonaco. Forse alcuni frammenti riuscirono a venire conservati, probabilmente in un luogo per la devozione privata delle case dei Bartolini.

Descrizione e stile

La sinopia

L’opera ha come tema centrale il matrimonio mistico di santa Caterina d’Alessandria, che viene rappresentata in ginocchio al cospetto del trono della Vergine, mentre Gesù Bambino la sposa simbolicamente infilandole un anello nuziale al dito. Assistono alla scena quattro santi sotto lo stesso arco e due ai lati sotto nicchie dipinte separate. Essi sono, da sinistra: sant’Elisabetta, sant’Andrea, san Bartolomeo (protettore del committente ma anche dei « Bartolini » in generale per l’assonanza del nome), sant’Antonio Abate, san Giovanni Battista e un santo vescovo.

In basso, piccolissima, si affaccia la committente che guarda la scena levando la testa.

Lo stile è tipico delle opere di Spinello, con colori accesi e cangianti, figure allungate, profili taglienti, che vennero riprese e sviluppate dagli artisti del gotico internazionale, tra cui proprio Lorenzo Monaco.

Bibliografia

• Stefan Weppelmann, Spinello Aretino e la pittura del Trecento in Toscana, Firenze, 2011. ISBN 9788859608776
• Giovanni Matteo Guidetti, La Cappella del Cardinale del Portogallo a San Miniato al Monte, in AA.VV., Cappelle del Rinascimento a Firenze, Editrice Giusti, Firenze 1998.
• Vedi anche la bibliografia su Firenze.

• Matrimonio mistico di santa Caterina d’Alessandria tra santi

Categorie:

• Dipinti nella basilica di Santa Trinita (Firenze)
• Dipinti sul matrimonio mistico di santa Caterina d’Alessandria
• Dipinti di Spinello Aretino

Giacobbe Giusti, SPINELLO ARETINO

Santo Stefano, Galleria dell’Accademia, Firenze

Giacobbe Giusti, SPINELLO ARETINO

Trittico della Madonna in trono e santi, Galleria dell’Accademia, Firenze

Giacobbe Giusti, SPINELLO ARETINO

Storie di san Benedetto, 1387-1388, sagrestia di San Miniato al Monte, Firenze

Giacobbe Giusti, SPINELLO ARETINO

Storie di Alessandro III, Palazzo comunale, Siena

Spinello di Luca Spinelli, comunemente noto come Spinello Aretino (Capolona (Arezzo), 1350circa – 14 marzo1410), è stato un pittoreitaliano, tra i più attivi in Toscana nella seconda metà del Trecento.

 

Spinello di Luca Spinelli, comunemente noto come Spinello Aretino (Capolona (Arezzo), 1350circa – 14 marzo 1410), è stato un pittore italiano, tra i più attivi in Toscana nella seconda metà del Trecento.

Spinello Aretino (c. 1350 – c. 1410) was an Italian painter from Arezzo, whose style influenced the development of late 14th- and early 15th-century painting in Tuscany

https://it.wikipedia.org/wiki/Spinello_Aretino

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Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

 

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

 

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

 

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

Lunetta del chiostro degli Angeli, Bernardino Poccetti, La creazione di Eva

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

 

43° 46′ 28″ nord, 11° 15′ 39″ est

Sainte-Marie-des-Anges.

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

Le cloître des anges et le clocheton du couvent.
Présentation
Nom local	Convento Santa Maria degli Angeli
Culte	Catholique romain
Type	église conventuelle
Rattachement	Archidiocèse de Florence
Début de la construction	1295
Fin des travaux	xvie siècle
Architecte	Brunelleschi (au xve siècle)Gherardo Silvani et Bartolomeo Ammannati (au xvie siècle)
Style dominant	Renaissance italienne
Géographie
Pays	Italie
Région	Toscane
Province	Florence
Commune	Florence
Coordonnées	43° 46′ 28″ nord, 11° 15′ 39″ est
Géolocalisation sur la carte : Florence

Le couvent Sainte-Marie-des-Anges(en italien  : Convento Santa Maria degli Angeli) est un ancien couvent de Florence, situé sur la via degli Alfani. Ayant été un des plus importants et des plus riches de Florence, il comprend d’importantes créations architecturales et picturales du xvii^e siècle s’inspirant de la Renaissance italienne. Supprimé comme les autres lieux des ordres monastiques par Napoléon en 1808, sa destination devient communale. Ses bâtiments hébergent aujourd’hui la Faculté de Lettres et de Philosophie de l’Université de Florence.

Histoire

Le couvent est fondé en 1295 par Antonio Viva Guittone d’Arezzo. Il s’inspire de l’ermitage de l’ordre camaldule.

En 1434, l’architecte Brunelleschi réalise l’église, s’articulant autour d’un octogone central. C’est le premier bâtiment de la Renaissance à plan centré.

L’édifice est rénové au xvii^e siècle par Gherardo Silvani et Bartolomeo Ammannati. Bernardino Poccetti peint les fresques du cloître des Anges.

Le couvent est supprimé en 1808 sur ordre de Napoléon. Utilisé par l’Hôpital de Santa Maria Nuova, il est ensuite transféré à l’Université de Florence en 1940, qui en prend usage à partir de 1964.

Architecture

Église

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

Façade de l’église.

Grande cloître

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

Grande cloître.

Cloître des Anges

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

Cloître des Anges.

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Le cloître des Anges est imposant, situé au milieu de la structure du couvent.

Les fresques de la Crucifixion et saints, d’Andrea del Castagno réalisées entre 1440 et 1444, décoraient ce petit cloître. Elles sont aujourd’hui conservées à l’Hôpital Santa Maria Nuova.

Cloître des Morts

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

Cloître des Morts.

• La Cène, œuvre de Ridolfo del Ghirlandaio sur le mur du fond du réfectoire.

Rotonde de Brunelleschi

Rotonde de Brunelleschi.

Giacobbe Giusti, Couvent Sainte-Marie-des-Anges (Florence)

Rotonde de Brunelleschi.

Notes et références

Bibliographie

• Divo Savelli, Il Convento di Santa Maria degli Angeli a Firenze, Editoriale Tornatre, Firenze 1983.
• Divo Savelli, Rita Nencioni, Il Chiostro degli Angeli, Storia dell’antico monastero camaldolese di Santa Maria degli Angeli a Firenze, Edizioni Polistampa Firenze 2008

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Giacobbe Giusti, 天神之后堂 (佛罗伦萨)

学者圆形堂

天神之后堂（Santa Maria degli Angeli）是意大利佛罗伦萨一个现已解散的天神之后修道院的教堂。它属于卡马尔多利修会，是本笃会的一个分支。该修会由圣罗穆亚尔德于1012年在阿雷佐附近的卡马尔多利创立，因此而得名。该建筑历经多次改建，已经很少保留中世纪建筑原貌。

该修道院在文艺复兴初期曾是一个主要研究中心，这里的写字间以出产高品质的手稿而著称，今天被收藏在世界各地的博物馆。画家洛伦佐·摩纳哥，曾有一段时间以修道为职业，但最终他还俗离开了。然而，他在修道期间及之后，都为该修道院和卡马尔多利修会其他机构创作了一系列的艺术品。

“学者圆形堂”（Rotonda degli Scolari）是修道院建筑群的一部分，1434年，由美第奇家族委托菲利波·布鲁内莱斯基设计。在其核心，有一个八角形的圆顶空间，周围环绕着八个附属空间^[1]。

参考

https://fr.wikipedia.org/wiki/Couvent_Sainte-Marie-des-Anges_(Florence)

http://www.giacobbegiusti.com

Giacobbe Giusti, Salvator Mundi de Léonard de Vinci

Giacobbe Giusti, Salvator Mundi de Léonard de Vinci

Giacobbe Giusti, Salvator Mundi de Léonard de Vinci

Giacobbe Giusti, Salvator Mundi de Léonard de Vinci

• 

  Gewandstudie Leonardo da Vincis für einen Salvator mundi, ca. 1504–08, Royal Library, Windsor

   

 

Giacobbe Giusti, Salvator Mundi de Léonard de Vinci

• 

  Gewandstudie Leonardo da Vincis für einen Salvator mundi, ca. 1504–08, Royal Library, Windsor

   

Giacobbe Giusti, Salvator Mundi de Léonard de Vinci

 

Salvator Mundi (Léonard de Vinci)

  Salvator Mundi et Mundi.

Giacobbe Giusti, Salvator Mundi de Léonard de Vinci

Artiste	Léonard de Vinci
Date	Vers 1500
Commanditaire	Le roi de France Louis XII et son épouse la reine Anne de Bretagne (présumé)
Type	Peinture à l’huile sur panneau de bois de noyer
Technique	Glacis, Clair-obscur, Sfumato
Dimensions (H × L)	65,6 × 45,4 cm
Mouvement	Renaissance
Localisation	Louvre Abou Dabi (annoncé), Abou Dabi (Émirats arabes unis)
Propriétaire	Mohammed ben Salmane

Salvator Mundi de Léonard de Vinci (le « Sauveur du monde », en latin) est une peinture à l’huile sur bois de noyer, sur le thème du Christ rédempteur, peint probablement vers 1500 pour le roi de FranceLouis XII et son épouse la reine Anne de Bretagne, et attribué par les experts à Léonard de Vinci¹. Longtemps disparu et oublié, réapparu en 2005, restauré, et publié en 2011 lors d’une exposition à la National Gallery de Londres, il devient la peinture la plus chère du monde en 2017, lors de son acquisition pour 450,3 millions de dollars (382 millions €) par le prince héritier d’Arabie saoudite, Mohammed ben Salmane, lors d’une vente d’art aux enchères de Christie’s à New York².

Le 6 décembre 2017, il est annoncé que le tableau sera exposé dans le tout nouveau musée du Louvre Abou Dabi³.

Thème

Le Salvator Mundi est un thème d’art chrétien, inspiré du Christ pantocrator (« Christ tout-puissant » en grec ancien), popularisé entre autres par les peintres d’Europe du Nord Jan van Eyck(1390-1441), Hans Memling (v. 1435-1494) et Albrecht Dürer (1471-1528)… Il représente le Christ en gloire, qui donne sa bénédiction de la main droite, avec un orbe (insigne royal) dans sa main gauche.

Description

Le tableau reprend ce thème, avec une figure du Christ vu de face, cadré à mi-corps. Il donne une bénédiction de la main droite (type benedictio latina, avec l’index et le majeur croisés). Cette main droite levée représente aussi le geste de celui qui enseigne, énonce la parole divine⁴. Jésus-Christ tient dans la main gauche une sphère de cristal transparente, variante de l’orbe (insigne royal), qui se laisse traverser par la lumière sans subir de réfraction importante¹.

Il porte une tunique bleu-mauve finement brodée avec des garnitures en brocart d’or, et il a de longs cheveux bouclés. L’orbe et les deux bandes croisées ornées de motifs géométriques répétitifs, sur sa poitrine, sont des attributs caractéristiques des empereurs. L’arrière-plan est habituellement neutre⁵.

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Histoire

Ce tableau aurait été commandé par le roi Louis XII vers 1500^6,7, peu de temps après la deuxième guerre d’Italie (1499-1500) par laquelle Louis XII conquiert le duché de Milan du duc Ludovic Sforza pour qui travaille Léonard de Vinci. Ce dernier quitte alors Milan pour Florence, d’où il est originaire, en 1500. On en possède une description par Giorgio Vasari et plusieurs esquisses préparatoires. Le travail récemment authentifié a autrefois appartenu à Charles I^er d’Angleterre et est enregistré dans sa collection d’art en 1649. En 1650, à la demande de sa veuve Henriette Marie de France, Wenceslas Hollar en réalise une copie gravée. Le tableau est vendu aux enchères par le fils du duc de Buckingham et de Normanby en 1763, puis sa trace se perd⁸.

Il ré-apparaît en 1900, quand il est acheté par un collectionneur britannique, Francis Cook, vicomte de Monserrate (en). Son attribution porte à débats, on pense alors à Giovanni Antonio Boltraffio. Les descendants de Cook l’ont vendu aux enchères en 1958 pour 45 £⁹. En 2005, le tableau a été acquis par un consortium de marchands d’art dont Robert Simon, spécialiste des maîtres anciens. Il a été gravement endommagé par des tentatives de restauration précédentes, a été fortement repeint et reverni, de sorte qu’il ressemblait à une copie. Une barbe et des moustaches ont été ajoutées, probablement après la Contre-Réforme, pour adapter l’image du Christ à la physionomie officielle. Il est alors décrit comme « une épave, sombre et lugubre »¹⁰.

Il a subi un long travail de restauration. Les ajouts manifestes comme la barbe et les moustaches, qui étaient absents de la peinture sous-jacente, ont été retirés. Puis il a finalement été authentifié comme un tableau de Léonard. Il a été exposé à la National Gallery de Londres pour l’exposition Leonardo da Vinci: Painter at the Court of Milano du 9 novembre 2011 au 5 février 2012^11,12. En 2013, le tableau a été vendu au collectionneur russe Dmitri Rybolovlev pour 127,5 millions de dollars, par l’intermédiaire du courtier et marchand d’art suisse Yves Bouvier, qui se retrouve au cœur d’une polémique^13,14,15.

Vente record en 2017

Le 15 novembre 2017, Salvator Mundi — seul tableau du maître à se retrouver encore entre des mains privées — passe à nouveau sous le marteau des commissaires priseurs, cette fois chez Christie’s New York¹⁶. Adjugé pour une somme finale de 450,3 millions de dollars, il est officiellement reconnu comme l’œuvre la plus chère ayant jamais été vendue aux enchères¹⁷. Ceci dépasse de loin le précédent record de vente aux enchères, Les Femmes d’Alger (version 0) de Pablo Picasso, vendue 179,4 millions de dollars en 2015¹⁸. Même dans le cas où les rumeurs selon lesquelles un tableau de Paul Gauguin et un tableau de Willem de Kooning auraient chacun été vendus pour 300 millions de dollars lors d’une vente privée aux États-Unis en 2015 s’avéraient exactes, Salvator Mundi resterait tout de même le tableau le plus cher jamais vendu de l’Histoire¹⁸. La vente, emportée par un acheteur anonyme, est partie d’une mise à prix de 70 millions de dollars. Elle a passé 53 échelons en 19 minutes pour atteindre finalement les 400 millions de dollars (prix hors commissions et taxes)¹⁹.

Localisation

Le 6 décembre 2017, il est annoncé que le tableau sera exposé au musée du Louvre Abou Dabi, inauguré le 8 novembre précédent en présence du président Emmanuel Macron²⁰.

Attribution[modifier | modifier le code]

La peinture a été comparée à plus de vingt autres versions du Salvator Mundi. Plusieurs caractéristiques ont conduit à l’attribution de Léonard : elle contient un certain nombre de repentirs évidents, la technique inhabituelle de dégradé, comparable au sfumato, sur le bord de la paume est typique de nombre de ses œuvres¹. La manière dont les boucles de cheveux et les plis des vêtements ont été traités est également considérée comme révélatrice de son style. Les pigments et le panneau de noyer sur lequel la peinture a été exécutée sont compatibles avec d’autres de Léonard²¹. La réfraction optique produite sur le cristal est un morceau de virtuosité, témoin d’une étude approfondie tout à fait compatible avec les intérêts scientifiques de Léonard²².

Certains contestent cette attribution et considèrent certaines parties comme médiocres ; la tête paraît rigide et légèrement disproportionnée, le cou mal positionné et surtout le majeur de la main droite présente une posture impossible, ce qui paraît étrange pour un artiste si féru d’anatomie. Les boucles des cheveux sont également lourdes et figées. Toutefois, l’allongement de certaines parties du corps – qu’on retrouve sur les cous de la Vierge et Sainte Anne sur le tableau La Vierge, l’Enfant Jésus et sainte Anne – est une habitude chez Léonard de Vinci^{[réf. souhaitée]}.

En mai 2008, le tableau est envoyé à la National Gallery de Londres pour être comparé à La Vierge aux rochers qui pourrait dater de la même période. Plusieurs experts de Léonard sont invités à examiner la peinture, dont Carmen Bambach, David Alan Brown, Maria Teresa Fiorio, Martin Kemp, Pietro C. Maraniet Luke Syson. En 2010, enfin, le travail de restauration est terminé. Les experts réunis sont parvenus à la conclusion que ce tableau pourrait fort bien être un original authentique de Léonard de Vinci. Martin Kemp, l’expert de Léonard qui a aidé à authentifier l’œuvre, a dit qu’il a su, dès le premier coup d’œil sur le tableau restauré, que c’était une œuvre de Léonard : « Il y avait ce genre de ressenti de Léonard… cette inquiétante étrangeté que Léonard sait manifester dans sa peinture¹. »

Iconographie

Études et tableau avant restauration

• 

  Étude de Léonard pour un Salvator Mundi(Royal Collection)

• 

  Étude de Léonard pour un Salvator Mundi(Royal Collection)

• 

  L’œuvre avant le travail de restauration (vers 1908-10)

Copies du Salvador Mundi

• 

  Le sauveur du monde – école ou entourage de Léonard de Vinci, vers 1505.]]

• 

  Copie contemporaine par Cesare da Sesto
  (1516–17)
  Palais de Wilanów, Varsovie

• 

  Copie, œuvre d’un des Leonardeschi

• 

  Estampe de Wenceslas Hollar(1607-1677)

• 

  Copie d’un artiste flamand inconnu (c. 1750-75)

Notes et références

1. ↑ ^{a, b, c et d} Andrew M. Goldstein, « The Male « Mona Lisa »?: Art Historian Martin Kemp on Leonardo da Vinci’s Mysterious « Salvator Mundi » » [archive], Blouin Artinfo, 17 novembre 2011.
2. ↑ « Le « Salvator Mundi » acheté par le prince héritier d’Arabie saoudite » [archive], sur FIGARO, 7 décembre 2017(consulté le 7 décembre 2017)
3. ↑ « Le « Salvator Mundi » de de Vinci ira au Louvre Abou Dhabi » [archive], Europe 1.fr, 6 décembre 2017.
4. ↑ Sabine Gignoux, « Le Salvator Mundi de Léonard de Vinci décrypté par François Bœspflug » [archive], sur la-croix.com, 14 novembre 2017
5. ↑ Laure Fagnart, Léonard de Vinci en France, Isd, 2009, p. 359.
6. ↑ « Salvator Mundi — The rediscovery of a masterpiece: Chronology, conservation, and authentication – Christie’s’ » [archive], sur Christies.com (consulté le 16 novembre 2017)
7. ↑ Joanne Snow-Smith, The Salvator Mundi of Leonardo da Vinci, Seattle : Henry Art Gallery, University of Washington, 1982. (OCLC 8986183).
8. ↑ Laure Fagnart, Léonard de Vinci en France, Isd, 2009, p. 266.
9. ↑ Vendu 50 euros, le tableau s’avère être un Leonard de Vinci [archive], Slate.fr, 3 juillet 2011.
10. ↑ (en) Milton Esterow, « A Long Lost Leonardo », ARTnews,‎ juin 2011 (lire en ligne [archive]).
11. ↑ (en) BBC News, « Lost Leonardo Da Vinci painting to go on show » [archive], BBC, 12 juillet 2011 (consulté le12 juillet 2011).
12. ↑ (en) « Scholars authenticate a painting that was missing for centuries » [archive], En.99ys.com (consulté le22 juillet 2013).
13. ↑ Reyburn, Scott. Recently Attributed Leonardo Painting Was Sold Privately for Over $75 Million. New York Times. 3 March 2014. [1] [archive].
14. ↑ (en) Bendor Grosvenor, « Salvator Mundi at heart of art fraud case » [archive], sur arthistory.com, Bendor Grosvenor (consulté le 12 mars 2015).
15. ↑ Clémençon, Gilles. Accusé d’escroquerie, le « roi des ports francs » Yves Bouvier riposte. RTS Info. 22 mars 2015. [2] [archive].
16. ↑ The last Da Vinci, Salvator Mundi [archive], Christies
17. ↑ Le Christ de Vinci, la toile la plus chère du monde [archive], Le Monde
18. ↑ ^a et b « Quatre choses à savoir sur le « Salvator Mundi » de Léonard de Vinci, le tableau le plus cher jamais vendu aux enchères » [archive], sur francetvinfo.fr, 16 novembre 2017 (consulté le 16 novembre 2017).
19. ↑ Le Monde.fr avec AFP et AP, « « Salvator Mundi », de Léonard de Vinci, devient la peinture la plus chère au monde » [archive], sur LeMonde.fr, 16 novembre 2017 (consulté le 16 novembre 2017).
20. ↑ « Le Salvator Mundi de Vinci sera exposé au Louvre Abu Dhabi » [archive], sur ouest-france.fr.
21. ↑ A closer look at Salvator Mundi by Leonardo [archive], Arthistory
22. ↑ Martin Kemp, Christ to Coke: How Image Becomes Icon [archive], Oxford University Press (OPU), 2012, p. 37, (ISBN 0199581118)

https://fr.wikipedia.org/wiki/Salvator_Mundi_(L%C3%A9onard_de_Vinci)

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Giacobbe Giusti, Magi Chapel

Giacobbe Giusti, Magi Chapel

Giacobbe Giusti, Magi Chapel

Giacobbe Giusti, Magi Chapel

Pseudo Pier Francesco Fiorentino, copia della Natività di Filippo Lippi

 Giacobbe Giusti, Magi Chapel

Magi Chapel.

The Magi Chapel is a chapel in the Palazzo Medici Riccardi of Florence, Italy. Its walls are almost entirely covered by a famous cycle of frescoes by the Renaissance master Benozzo Gozzoli, painted around 1459 for the Medici family, the effective rulers of Florence.

The chapel is on the piano nobile of the palace and was one of the first rooms to be decorated after the completion of the building, designed by Michelozzo. In its original appearance the chapel was perfectly symmetrical and had its entrance through the central door, which today is closed. Inside, the chapel is divided into two juxtaposed squares: a large hall and a raised rectangular apse with an altar and two small lateral sacristies. Begun around 1449-50, the chapel was probably completed around 1459 with the precious ceiling of inlaid wood, painted and generously gilded by Pagno di Lapo Portigiano, according to Michelozzo’s design.^[1] The latter also designed the flooring of marble mosaic work divided by elaborate geometric design, which due to the extraordinary value of the materials (porphyries, granites, etc.) affirmed the Medicis’ desire to emulate the magnificence of the Roman basilicas and the Florentine Baptistry.

Giacobbe Giusti, Magi Chapel

Fiorentino‘s Adoration (after Lippi).

The first pictorial element in the chapel was the altar panel bearing Filippo Lippi‘s Adoration in the Forest. This painting is now in Berlin after being sold in the 19th century, while a copy by a follower of Lippi remains in the chapel.

Giacobbe Giusti, Magi Chapel

Apse, Detail of the choir of angels.

The chapel is famous for the series of wall paintings by Benozzo Gozzoli, with the Angels in Adorationin the rectangular apse and the Journey of the Magi in the large hall. The latter is covered in three large frescos, each showing the procession of one of the Three Magi on their way to Bethlehem to see the Nativity of Jesus. The religious theme was combined with a depiction of several members of the Medici family, their allies and some of the important figures who arrived in Florence for the Council of Florence (1438-1439) several decades earlier. On that occasion the Medici could boast to have facilitated the (abortive, as it turned out) reconciliation between the Catholic and the Eastern Orthodox churches. The luxury of the Byzantine dignitaries is manifest, and shows the impression they would have at the time on the Florentine population.

In the apse, the side walls are painted with saints and angels in adoration, where Gozzoli followed the style of his master, Fra Angelico. There are also three thin vertical fresco sections showing the shepherds of the nativity.

Gozzoli’s Journey of the Magi

Giacobbe Giusti, Magi Chapel

East Wall.

Background

Having begun the work in the spring-summer of 1459, Benozzo probably completed the work rapidly over the space of a few months, with the help of at least one assistant, under the supervision of Piero di Cosimo de’ Medici. It was probably Piero who suggested that the artist should use Gentile da Fabriano‘s Adoration of the Magi as a model for the frescoes. The extraordinary complexity and subtlety of the technique of execution, in which true fresco alternated with dry fresco, permitted the painter to work with meticulous care, almost as if he was engraving, like the goldsmith he had been in Ghiberti‘s workshop. This sheer craftsmanship is evident not just in the precious materials of jewelry, fabrics, and harnesses, but even in the trees laden with fruit, the meadows spangled with flowers, the variegated plumage of the birds, and the multicolored wings of the angels. Finally, leaves of pure gold were applied generously to shine in the dark, in the dim light of the candles.

The painting is dedicated to a sacred subject but rich in traces of pomp and secular elegance. Hosts of angels sing and adore while the magnificent procession of the Three Kings approaches Bethlehem, accompanied by their respective entourages as they enjoy the scene of a noble hunting party with falcons and felines along the way. The sumptuous and varied costumes with their princely finishing make this pictorial series one of the most fascinating testimonies of art and costume of all time.^[2]

The procession

Giacobbe Giusti, Magi Chapel

West Wall, Page with a leopard – possibly Giuliano.

Melchior, the oldest Magus, rides on the west wall leading the procession. Traditionally, his features have been read as those of Joseph, Patriarch of Constantinople, who died in Florence during the Council; but they could also be those of Sigismund, Holy Roman Emperor, who helped end the Great Schism by convoking the Council of Constance in 1414. Like Cosimo, he is shown as a peacemaker riding on a donkey. He is preceded by a page in blue with a leopard on his horse – this figure is by some argued to represent an idealized Giuliano de’ Medici.

Bearded Balthasar, the middle Magus, rides a white horse on the south wall. He is portrayed with the same facial features as Byzantine emperorJohn VIII Palaiologos. It is thought by some that the three pages behind him represent Piero‘s daughters, Nannina, Bianca and Maria, while others argue that the faces of those young women are more likely to be amongst the rest of the Medici portraits.

East Wall, Caspar, the youngest Magus – possibly Lorenzo.

On the east wall, Caspar, the youngest Magus, leads the end of the procession on a white horse. This figure has often been taken for an idealized Lorenzo il Magnifico, who was born in 1449 and so was still a boy when the fresco was completed. Closely following Caspar are the contemporary head of the family, Piero the Goutyon a white horse, and devout family founder Cosimo on a humble donkey. Then come Sigismondo Pandolfo Malatesta and Galeazzo Maria Sforza, respectively lord of Rimini and Milan. They did not take part in the Council, but were guests of the Medici in Florence in the time the frescoes were painted. After them is a procession of illustrious Florentines, such as the humanists Marsilio Ficino and the Pulci brothers, the members of the Art Guilds and Benozzo himself. The painter looks out at the viewer and can be recognized for the scroll on his red hat, reading Opus Benotii. Little Lorenzo il Magnifico is the boy directly below him with the distinctive snub nose; Lorenzo’s younger brother Giuliano is next to him.

Giacobbe Giusti, Magi Chapel

West Wall (cut clearly visible).

With rich Tuscan landscapes filling the rest of of the pictorial space, this fresco was designed like contemporary tapestries, a new type of courtly art destined for wealthy patrons.The fortress, in the style of medieval castles, which appears at the highest point of the picture and is the point from which the king’s pilgrimage has set out, is similar to the Medicis’ country seat in Cafaggiolo, which was again designed by Michelozzo. It is interpreted as Jerusalem, where the procession of the magi started. This was where King Herod had instructed the wise men to search for the child.

Gozzoli’s patron, Piero de’ Medici, felt some of the seraphim were unsuitable, and wanted them painted over. Although the artist agreed to do this, it was never actually done.^{[citation needed]} In 1659, the Riccardi family bought the Palazzo Medici and undertook some structural changes. This included, in 1689, the building of an exterior flight of stairs leading up to the first floor. For this purpose the entrance to the chapel had to be moved. During the process, two sections of wall were cut out of the south western corner, in the Procession of the Oldest King. After the stairs were finished, the cut out elements were mounted on a corner of the wall projecting into the room. During the course of this, the oldest king’s horse was cut up and mounted on two different segments of the wall.

• Interior
• 

  Chapel ceiling

• 

  Chapel floor

• 

  Decorations

• 

  Decorations

• 

  Carved wooden stalls

• Apse and altar
• 

  The original altarpiece, Lippi’s Adoration

• 

  Angels in Adoration (left)

• 

  Angels in Adoration (right)

• Procession
• 

  Melchior

• 

  Balthasar

• 

  Caspar

• 

  Sigismondo Malatesta and Galeazzo Maria Sforza

   

Giacobbe Giusti, Magi Chapel

• 

  Byzantine wealth

• Medici and Gozzoli
• 

  Cosimo and Piero

• 

  Nannina, Bianca and Maria.

• 

  Lorenzo and Giuliano

• 

  Gozzoli, self-portrait.

• 

  Gozzoli (centre), self-portrait

• Nature
• 

  Hunting scene

• 

  Falcon and hare

• 

  Birds in flight

• 

  Exotic felid

• 

  Jerusalem/Cafaggiolo

References

• Cardini, Franco (2001). The Chapel of the Magi in Palazzo Medici. Florence: Mandragora.
• Davisson, Darrell D., Secrets of the Medici Palace and Its Private Chapel: Six Studies in the early Italian Renaissance, 2014, San Bernardino, Createspace.

https://en.wikipedia.org/wiki/Magi_Chapel

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Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

 

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

 

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

 

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

 

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

Giacobbe Giusti, GIOTTO: Chapelle Peruzzi, Florence

La chapelle Peruzzi à gauche

La Chapelle Peruzzi est un des chapelles de la basilique Santa Croce de Florence, précisément la seconde à droite du chœur.

Elle comporte un cycle de fresques consacré aux saints Jean l’évangéliste et Jean le baptiste, exécutés par Giotto di Bondoneentre 1318 et 1322 pour le couvent franciscain.

• 

  Jean à Patmos

• 

  Détail

• 

  Annonciation à Zacharie

• 

  Le festin d’Hérode

.

Vi sono rappresentate Scene della vita di san Giovanni Evangelista e di san Giovanni Battista (sei scene sulle pareti laterali)^[1].

Nell’archivolto sono raffigurati otto busti di Profeti, mentre i pennacchi della volta presentano i quattro simboli degli Evangelisti^[1].

La parete destra mostra le Storie di san Giovanni Evangelista, che si leggono dall’alto al basso:

• Visione nell’isola di Patmos, 280×450 cm
• Resurrezione di Drusiana, 280×450 cm
• Ascensione di san Giovanni, 280×450 cm

La parete sinistra ha le Storie di San Giovanni Battista:

• Zaccaria riceve l’annuncia dall’angelo, 280×450 cm
• Nascita del Battista e imposizione del nome, 280×450 cm
• Banchetto di Erode con Salomè che presenta la testa del Battista a Erodiade, 280×450 cm

Sopra le lunette si trovano fasce con esagoni contenenti teste maschili^[2]. La scelta di dedicare la cappella ai due san Giovanni era legata innanzitutto al nome del committente (Giovanni di Rinieri Peruzzi), sia per la devozione dei fiorentini al Battista e sia all’evento della concomitanza di date tra il giorno dell’ascensione dell’Evangelista e della nascita del Battista, il 24 giugno. Le storie si basarono probabilmente sulla Leggenda Aurea di Jacopo da Varazze^[1].

Sulla parete della finestra restano tracce di elementi decorativi e un Angelo dell’apocalisse mutilo^[1]. Tra le fasce decorative si trovano delle testine entro esagoni dalla notevole caratterizzazione fisiognomica, che a qualcuno avevano fatto pensare a ritratti della famiglia Peruzzi, i primi dell’arte italiana: ipotesi suggestiva ma inverificabile^[3].

Annuncio a Zaccaria

Annuncio a Zaccaria

Nella lunetta sinistra, la scena dell’Annuncio a Zaccaria dà avvio alle scene della vita del Battista. Mentre sta compiendo un sacrificio nel tempio di Gerusalemme, Zaccaria riceve la visione dell’arcangelo Gabriele che gli rivela come sarà presto padre. Egli, non credendo all’annuncio divino, rimarrà muto fino alla nascita del figlio^[1].

La scena è ambientata in un’architettura in tralice che asseconda il punto di vista dello spettatore. Sotto un ciborio gotico Zaccaria sventola un turibolo d’incenso e, dall’altra parte dell’altare, gli si fa incontro l’angelo che solleva la mano nel tipico gesto del parlante. Anche l’edificio a destra segue la medesima prospettiva intuitiva, e davanti ad esso si trovano alcuni personaggi, tra cui due donne che sono le figure meglio conservate della scena. A sinistra invece si fa avanti un gruppo di musici, almeno a giudicare da quello meglio conservato che tiene in mano uno strumento a corda da pizzicare. Le decorazione del Tempio si rivelarono aggiunte posteriori e vennero rimosse nei restauri novecenteschi^[1].

Bibliographie

• (it) Maurizia Tazartes, Giotto, Milan, Rizzoli, 2004 (ISBN 9788817004480)
• (it) Edi Baccheschi, L’opera completa di Giotto, Milan, Rizzoli, 1977 (traduction (ISBN 9782080112194))

https://fr.wikipedia.org/wiki/Chapelle_Peruzzi

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Giacobbe Giusti, Casa BUONARROTI

Giacobbe Giusti, Casa BUONARROTI

Giacobbe Giusti, Casa BUONARROTI

La Centauromachia di Michelangelo

Giacobbe Giusti, Casa BUONARROTI

Giacobbe Giusti, Casa BUONARROTI

Giacobbe Giusti, Casa BUONARROTI

Giacobbe Giusti, Casa BUONARROTI

Location	Via Ghibellina 70, Florence, Italy
Website	Casa Buonarroti

Casa Buonarroti is a museum in Florence. The building was a property owned by (but never occupied by) the sculptor Michelangelo, which he left to his nephew, Lionardo Buonarroti. The house was converted into a museum dedicated to the artist by his great nephew, Michelangelo Buonarroti the Younger. Its collections include two of Michelangelo’s earliest sculptures, the Madonna of the Steps and the Battle of the Centaurs. A ten-thousand strong library has accumulated there over the centuries,^[1] which includes the family’s archive and some of Michaelangelo’s letters and drawings.^[2]

References

1.  « Casa Buonarroti – Library ». Archived from the original on 2011-07-21. Retrieved 2012-11-10.
2.  Symonds (1893). The life of Michelangelo Buonarroti, based on studies in the archives of the Buonarroti family at Florence], in two volumes (1, 2). New York: Scribner.

Casa Buonarroti (Florence).

• Casa Buonarroti

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Giacobbe Giusti, LEONARDO da Vinci: La belle ferronnière

Giacobbe Giusti, LEONARDO da Vinci: La belle ferronnière

Giacobbe Giusti, LEONARDO da Vinci: La belle ferronnière
Artist	Leonardo da Vinci or his Milanese circle
Year	1490–1496
Medium	Oil on wood
Dimensions	62 cm × 44 cm (24 in × 17 in)
Location	Louvre, Paris

La belle ferronnière is a portrait of a lady, usually attributed to Leonardo da Vinci, in the Louvre. It is also known as Portrait of an Unknown Woman. The painting’s title, applied as early as the seventeenth century, identifying the sitter as the wife or daughter of an ironmonger (a ferronnier), was said to be discreetly alluding to a reputed mistress of Francis I of France, married to a certain Le Ferron. The tale is a romantic legend of revenge in which the aggrieved husband intentionally infects himself with syphilis, which he passes to the king through infecting his wife.^{[citation needed]}

Leonardo’s Lady with an Ermine, has also been known by this name. This was once believed to be a portrait of Cecilia Gallerani—one of the mistresses of Lodovico ‘il Moro’ Sforza, Duke of Milan.^[1] The narrative and the title were applied to Lady with an Ermine when it was in Princess Czartoryski’s collection, and became confused with « La Belle Ferronniere » by the presence in this image also of a jewel worn on a delicate chain across the forehead, called a ferronnière.

Attribution

Although the model of the painting « La Belle Ferronniere » is still shrouded in mystery, the landmark exhibition « Leonardo Da Vinci: Painter at the Court of Milan » (National Gallery, London, 9 Nov. 2011 – 5 Feb. 2012) listed the portrait as possibly depicting Beatrice d’Este, wife of Ludovico Sforza.^[2] This challenges the portrait’s earlier attribution to Lucrezia Crivelli, a mistress of Ludovico.^[3]

Bernard Berenson attributed this portrait to Bernardino de’ Conti.^[4]Giovanni Antonio Boltraffio was suggested by Herbert Cook, who retracted his opinion, seeing Leonardo’s own hand, in 1904.^[5]

Copies

A later version of the painting, on canvas,^[6] had been offered to the Kansas City Art Institute as the original, but was identified as a copy, on the basis of a photograph, by Sir Joseph Duveen, who permitted his remarks to be published in the New York World in 1920; the owner, Mrs Andrée Lardoux Hahn, sued for defamation of property in a notorious court case,^[7] which involved many of the major connoisseurs of the day,^[8] inspecting the two paintings side by side at the Louvre; the case was eventually heard in New York before a jury selected for not knowing anything of Leonardo or Morellian connoisseurship, and settled for $60,000 plus court expenses, which were considerable.^[9][10] The owner’s account, Harry Hahn’s The Rape of La Belle (1946) is a classic of populist conspiracy theory applied to the art world. After decades in an Omaha vault, the Hahn La Belle was sold at auction by Sotheby’s on January 28, 2010 as « by a follower of Leonardo, probably before 1750 »; it brought 1.5 million dollars, a price three times higher than Sotheby’s pre-sale estimate. The buyer was an unidentified American collector.^[11][12]

A 19th-century copy of La Belle Ferronnière is conserved in the Musée des beaux-arts, Chambéry.^[13] The Louvre painting is identified in pre-Revolutionary inventories of the French royal collection.^[14]

Notes

1. Jump up^ Luke Syson and Larry Keith, Leonado Da Vinci: Painter at the Court of Milan, Exhibition Catalogue (National Gallery, London, 2011)
2. Jump up^ Luke Syson and Larry Keith, Leonado Da Vinci: Painter at the Court of Milan, Exhibition Catalogue, National Gallery (London, 2011)
3. Jump up^ « Controversial painting ‘La Belle Ferronniere’, once thought to be a da Vinci, sells for $1.5M » . New York Daily News. Reuters. January 29, 2010.
4. Jump up^ Berenson, Italian Pictures of the Renaissance: Central Italian and North Italian Schools (1968:48).
5. Jump up^ Herbert Cook, « Some Notes on the Early Milanese Painters Butinone and Zenale. Part III (Conclusion) – Zenale as a Portrait Painter » The Burlington Magazine for Connoisseurs 5 No. 14 (May 1904:199-2090 p. 201f.
6. Jump up^ Its earliest secure appearance was its purchase in 1847 by Antoine Vincent, from the collection of the comte de Betz, as from General Louis Tourton. (Brewer).
7. Jump up^ « The most sensational art trial of the early twentieth century », according to John Brewer, « Art and Science: A Da Vinci Detective Story », Engineering and Science, No. 1/2 (2005); Brewer’s The American Leonardo: A Tale of Obsession, Art and Money (New York: Oxford UP, 2009) is the definitive account of the Hahns’ unsuccessful marketing of their painting.
8. Jump up^ Bernard Berenson, Roger Fry, and the directors of the National Gallery, the Rijksmuseum, and others (Brewer).
9. Jump up^ « Duveen on Da Vinci ». Time.com. 1929-02-18. Retrieved 2013-07-22. (subscription required for full view)
10. Jump up^ NYT staff (November 5, 1921). « $500,000 Suit Hangs on da Vinci Fingers: Impressions on Canvas Said to Prove Master Painted Picture Denounced by Duveen ». The New York Times. Retrieved 2014-02-08.
11. Jump up^ [1]^{[dead link]}
12. Jump up^ « Mona Lisa She Is Not, but Coveted Nonetheless »
13. Jump up^ «  »La belle Ferronière d’après Léonard de Vinci » ». Culture.gouv.fr. Retrieved 2013-07-17.
14. Jump up^ Portrait de femme, dit La Belle Ferronnière, inv. 778

• La belle ferronnière, Musée du Louvre

v t e Leonardo da Vinci
List of works Science and inventions Personal life
Paintings	Medusa The Annunciation The Baptism of Christ The Madonna of the Carnation Ginevra de’ Benci Benois Madonna The Adoration of the Magi St. Jerome in the Wilderness Madonna Litta Virgin of the Rocks Portrait of a Musician Lady with an Ermine La Belle Ferronnière Salvator Mundi Madonna of the Yarnwinder The Virgin and Child with St. Anne Mona Lisa Head of a Woman (La Scapigliata) Leda and the Swan St. John the Baptist
Works on walls	The Last Supper Sala delle Asse The Battle of Anghiari
Sculptures	Sforza monument (unexecuted) Horse and Rider Rearing Horse and Mounted Warrior
Works on paper	Vitruvian Man Portrait of a Young Fiancée The Virgin and Child with St Anne and St John the Baptist Self-portrait Studies of the Fetus in the Womb
Manuscripts	Codex Arundel Codex Atlanticus Codex on the Flight of Birds Codex Leicester Codex Madrid Codex Trivulzianus A Treatise on Painting
Other projects	De divina proportione Architonnerre Leonardo’s crossbow Leonardo’s fighting vehicle Leonardo’s robot Leonardo’s self-propelled cart Viola organista
Leonardeschi	Giovanni Antonio Boltraffio Cesare da Sesto Giampietrino Giovanni Agostino da Lodi Bernardino Luini Cesare Magni Marco d’Oggiono Francesco Melzi Giovanni Ambrogio de Predis Salaì Andrea Solari
Posthumous fame	Cultural references Mona Lisa replicas and reinterpretations Things named after da Vinci

https://en.wikipedia.org/wiki/La_belle_ferronni%C3%A8re

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Giacobbe Giusti, Léonard de Vinci: La Dame à l’hermine

Giacobbe Giusti, Léonard de Vinci: La Dame à l’hermine

Giacobbe Giusti, Léonard de Vinci: La Dame à l’hermine

Artiste	Léonard de Vinci
Date	entre 1488 et 1490
Technique	Huile sur panneau de bois
Dimensions (H × L)	54 × 39 cm
Mouvement	Renaissance italienne
Localisation	Musée national de Cracovie, Cracovie (Pologne)
Numéro d’inventaire	XII-209

La Dame à l’hermine est un tableau de 54 × 39 cm peint par Léonard de Vinci entre 1488 et 1490. Longtemps propriété de la famille Czartoryski, il appartient depuis fin 2016 à l’Etat Polonais.

Le tableau est peint sur du bois de noyer, provenant du même tronc d’arbre que La Belle Ferronnière¹. Le fond du tableau a été repeint dans une couleur sombre à une époque tardive. Des repeints ont aussi été repérés, dans la zone inférieure notamment, mais aussi sur la coiffe ou sur la main droite, tandis que le pelage de l’hermine a perdu de son éclat. Mais en dépit des dommages subis, le tableau n’en demeure pas moins dans un état de conservation meilleur que plusieurs autres peintures de Léonard de Vinci.

 

Parcours historique de cette œuvre

La peinture est acquise en 1798 par Adam Jerzy Czartoryski, pour sa mère la princesse Izabela Czartoryski et intégrée dans les collections de la famille Czartoryski en 1800. Entre 1830 et 1876, elle est accrochée à l’hôtel Lambert, siège de l’immigration polonaise libéral-aristocratique à Paris et propriété des Czartoryski, puis elle revient ensuite en Pologne, à Cracovie dans le nouveau musée Czartoryski. En 1914, la princesse Maria Ludwika la confie à la Gemäldegalerie de Dresde. Elle est restituée en 1920, puis saisie en 1939 par les nazis et envoyée au Kaiser Friedrich Museumà Berlin. En 1940 Hans Frank, gouverneur général de la Pologne non incorporée au Reich, demande qu’elle soit restituée à la ville de Cracovie et il l’accroche, par la suite, dans ses bureaux. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, elle est découverte par les troupes alliées dans la maison de Frank en Bavière. Elle revient en Pologne en 1946 et est exposée depuis le 12 mai 2012 au château du Wawel à Cracovie en attendant la réhabilitation du musée Czartoryski dans la même ville, après avoir été exposée du 9 novembre 2011 au 5 février 2012 à la National Gallery à Londres, au sein de l’exposition temporaire « Léonard de Vinci, un peintre à la cour de Milan ». Le 29 décembre 2016, le tableau qui appartenait à la fondation Czartoryski est cédé à l’état de la Pologne.

Le modèle

La peinture est l’un des quatre portraits connus de femme peints par Léonard, les trois autres étant le portrait de la Joconde, celui de Ginevra de’ Benciet celui de la Belle Ferronnière. On pense que l’œuvre représente Cecilia Gallerani, la maîtresse de Ludovic Sforza, duc de Milan. Cecilia Gallerani (1473-1536) était devenue la maîtresse de Ludovic Sforza très jeune (vers 1488-1489). Leur liaison dura jusqu’au milieu de l’année 1492, après qu’elle eut donné naissance à un fils, César. En 1490, Ludovic Sforza épousa Béatrice d’Este, qui le contraint à mettre fin à cette relation. On peut donc dater le tableau soit des années 1488-1489 avant le mariage, soit un peu plus tard, si l’on admet comme Frank Zöllner qu’il puisse s’agir d’un cadeau d’adieu de Ludovic Sforza à son ancienne maîtresse².

Nous possédons une correspondance datant de 1498 entre Cecilia Gallerani et Isabelle d’Este³faisant directement référence à ce tableau. Isabelle d’Este s’adresse ainsi à Cécilia : « Ayant eu aujourd’hui l’occasion de voir quelques tableaux de Giovanni Bellini, j’ai réfléchi à l’œuvre de Léonard avec le désir de la comparer et me souvenant qu’il avait fait votre portrait d’après nature, je vous prie […] de bien vouloir m’envoyer le portrait⁴. »

Une inscription erronée figure dans le coin haut gauche de la toile, « LA BELE FERONIERE. LEONARD D’AWINCI. », probablement fruit d’une confusion faite par un restaurateur avec le portrait de profil du Louvre attribué par Bernard Berenson àBernardino de Conti⁵, et considéré tout au long du xvi^e siècle comme un portrait authentique de la Belle Ferronnière^[pas clair].

Analyse

Le tableau concentre toutes les innovations du portrait inspiré à Léonard par l’exemple d’Antonello de Messine : la pose de trois-quart, le visage tourné vers le spectateur, la grâce du geste de la main (depuis l’abandon du portrait de profil, les peintres sont devenus particulièrement attentifs aux gestes des mains) « la définition de la forme par la lumière », et « le sens du mouvement interrompu⁶ » (Cécilia semble tourner la tête comme si quelqu’un lui parlait). Cécilia porte une robe somptueuse, « préfigurant la mode espagnole, et peut-être rapportée de Naples par Ludovic Sforza⁷ ». Sa tête est enveloppée d’un précieux voile transparent. Léonard a mis un soin tout particulier à rendre le collier de perles, ainsi que ses reflets noirs sur la chair rose du modèle. Le décalage entre la richesse des vêtements, le geste ferme et le visage encore juvénile ajoutent au charme du tableau.

Ce portrait très raffiné est à l’image de son modèle. Cecilia Gallerani avait appris très tôt le latin. Elle composait des poèmes, pour lesquels on la comparait à Sapho. Plus tard, Matteo Bandello la qualifiera même d’un des « grands phares de la langue italienne⁸ ».

Plusieurs interprétations iconographiques de l’hermine que tient la jeune femme ont été proposées. On y a vu le symbole de la pureté. Léonard de Vinci lui-même le rappelle dans le Manuscrit H : « L’hermine (…) se laisse capturer par les chasseurs plutôt que de se réfugier dans un terrier plein de boue, pour ne pas entacher sa pureté⁹. » Ce pourrait être aussi un calembour sur son nom de famille, Gallerani, l’hermine en grec se disant galay, ou encore l’emblème du More, qui était « l’ermellino », une petite hermine, depuis qu’il avait été décoré de l’ordre d’ell’ermillino en 1488 par Ferdinand II de Naples^10,11, même si Léonard souhaitait peindre une hermine.

Vraisemblance ^{[réf. nécessaire]} L’hermine est un petit animal au corps allongé de 16 à 30 centimètres, blanc en hiver, la queue noire toute l’année, de petites oreilles ourlées et liserées de blanc, un museau effilé (un peu comme un rat), des pattes ne dépassant pas 5 centimètres, qui servait d’animal de compagnie à cette époque, dont la ressemblance est proche de la belette de la même famille des mustélidés. La représentation de Léonard de Vinci est très vraisemblable, allongé sur un avant bras féminin d’une trentaine de centimètres, une main toute aussi féminine d’une vingtaine de centimètres, dont la tête ne dépasse pas l’épaule, en appui sur son membre antérieur. L’hermine est prisée à la fois pour la blancheur de sa fourrure d’été, (pelage brun au-dessus, blanc jaunâtre en hiver), ainsi que pour sa plus petite taille par rapport au furet dont la taille est le double et les dents beaucoup plus dangereuses. C’est davantage le furet qui paraîtrait énorme, trois fois plus long que la main de la dame, et sa tête est très différente (plus proche d’un petit renard). La représentation du peintre semble assez fidèle¹².

Influences

L’écrivain britannique Philip Pullman reconnait avoir trouvé l’inspiration en étudiant entre autres le rapport entre le personnage et son animal spirituel pour sa trilogie À la croisée des mondes, publiée à partir de 1995¹³.

La Dame à l’hermine a été choisie en illustration sur la couverture du coffret 15 Years After (2005) du projet musical Enigma, créé par Michael Cretu. image reprise pour la couverture de l’album Enigma: The Platinium Collection (2010) célébrant 20 ans de musique d’Enigma.

La Dame à l’Hermine a servi de base pour une œuvre de Street’Art effectuée par Mr Degri le mercredi 22 septembre 2010 en direct à la galerie l’Entrepôt Monaco dans le cadre de l’exposition « Gestes Urbains » pour l’œuvre de bienfaisance de la fondation Théodora¹⁴.

Notes et références

1. ↑ Pietro.C.Marani, Léonard. Une carrière de peintre, 1999 (édition française : Actes Sud / Motta 1999), p.177
2. ↑ Frank Zöllner, Léonard de Vinci, tout l’œuvre peint et graphique, Taschen, 2003, p 226
3. ↑ Isabelle d’Este commanda à Lorenzo Costa une version domestique de la Dame à l’hermine, avec un petit chien à la place de l’hermine. Le tableau est aujourd’hui visible à Hampton Court.
4. ↑ Françoise Viatte, Isabelle d’Este, rmn, p. 92, 1999
5. ↑ Carlo Vecce, Léonard de Vinci, Flammarion p. 96-98
6. ↑ Janice Shell, Léonard de Vinci, rmn, 1993, p. 32
7. ↑ hypothèse émise par Carlo Vecce
8. ↑ Matteo Bandallo, Nouvelles, 1554 puis 1573, édition française, Imprimerie nationale, 2002, p.102
9. ↑ Ms H, fol. 12 r
10. ↑ (en) Christina Moss, Cecilia Gallerani and The Ermine, 2003. Lire le document [archive]
11. ↑ Manon Tremblay, vétérinaire, Le furet, Canada, le jour, 2005 (réimpr. 2005), 205 p.(ISBN 2-8904-4742-1)
12. ↑ sources encyclopédiques variées, article : Introduction / Les utilisations du furet / Les furets célèbres p.18 et 19 ; animaux sauvages sur Oiseau-libre.net [archive]
13. ↑ (en) Interview de Philip Pullman The art of darkness [archive] dans INTELLIGENT LIFE magazine, 3 décembre 2007
14. ↑ Performance artistique de Mr Degri 

https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Dame_%C3%A0_l%27hermine

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