Giacobbe Giusti, Mosaïque de la Dame de Carthage

Giacobbe Giusti, Mosaïque de la Dame de Carthage

Semis de roses de la mosaïque du Phénix sur un semis de roses du musée du Louvre

 Giacobbe Giusti, Mosaïque de la Dame de Carthage

Giacobbe Giusti, Mosaïque de la Dame de Carthage

La Dame de Carthage

Artiste	Inconnu
Date	ve siècle-vie siècle
Technique	Mosaïque
Localisation	Musée national de Carthage, Carthage (Tunisie)

La mosaïque de la Dame de Carthage est une mosaïqueromaine découverte sur le site archéologique de Carthage, lors de fouilleseffectuées en 1953 sur la colline de Sayda. Difficile d’interprétation car issue d’un contexte largement méconnu, l’œuvre, d’une « finesse d’exécution remarquable » selon l’historien de l’art Mohamed Yacoub¹, est conservée au musée national de Carthage et en constitue l’un des joyaux.

La mosaïque a été découverte en 1953 dans une villa d’époque tardive fouillée à l’occasion de l’urbanisation du quartier. Cependant, il est complexe d’en préciser la datation car la villa n’a pu être fouillée en intégralité, le quartier de Sayda restant encore très largement méconnu. La datation de l’œuvre oscille entre l’époque vandaleet la reconquête byzantine, et ne saurait être antérieure au deuxième quart du v^e siècle². D’autres auteurs évoquent le v^e siècle sans davantage de précision, voire la placent dans la seconde moitié de ce siècle comme Yacoub^2,3. Les tenants de l’hypothèse d’une représentation de l’impératrice Théodora datent l’œuvre du vi^e siècle¹.

Description

Giacobbe Giusti, Mosaïque de la Dame de Carthage

Semis de roses de la mosaïque du Phénix sur un semis de roses du musée du Louvre

Le tableau constituait l’emblema (tableau) d’une mosaïque plus grande et mesure 1,08 mètre sur 1,02⁴. Les tesselles sont en marbre et verre, vert, jaune et blanc. Même si le tableau a perdu des tesselles, l’ensemble est relativement bien conservé. Le reste de la mosaïque était constitué de rosesalternativement ouvertes et en boutons^2,3.

Le tableau central est situé dans un cadre sur un fond rouge dans lequel sont alternés des losanges et des cercles, avec également des perles².

Le personnage est présenté sous forme d’un buste. La tête, à la coiffe féminine munie d’un diadème, est entourée d’une auréole grise et possède de longues boucles d’oreille¹. Les yeux du personnage sont très grands¹ et fixent le spectateur. Les vêtements sont masculins : la personne est vêtue d’une tunique jaune et d’un manteau de pourpre attaché sur l’épaule par une fibule ; il tient de la main gauche un long sceptremuni d’une boule à son extrémité ; deux doigts (index le majeur) de sa main droite sont tendus alors que les autres sont repliés, par un signe de bénédiction².

Interprétation

La mosaïque est originale par rapport aux découvertes de Carthage datables de la même époque, et on peut rattacher l’ouvrage des travaux réalisés en Orient. L’emblema a pu être importée de cette région ou réalisée par des artisans en provenance de cette région¹.

Le tableau est considéré par la plupart des spécialistes comme le portrait d’une impératrice byzantine, Théodora⁵. Cependant, le fait de fouler le portrait impérial a pu être considéré comme un obstacle à cette interprétation, tout comme l’absence d’une fibule spécifique à la famille impériale².

Certains historiens considèrent que le personnage est un ange byzantin⁴ même si l’absence d’ailes ainsi que la difficile identification sexuelle ne plaident pas dans ce sens².

Cette identification sexuelle complexe semble devoir argumenter en faveur d’une personnification voire d’une allégorie, peut-être une représentation de la ville de Carthage elle-même⁵.

L’absence de signe religieux évident sur l’œuvre est symptomatique d’une époque où le christianisme n’a pas encore occulté le paganisme, et où l’ambigüité reste de mise¹.

Le personnage, mélancolique et grave, est une pièce majeure de l’art mosaïcal de l’Antiquité tardive¹. L’Antiquité tardive voit s’accentuer des caractères spécifiques, dont la stylisation et une posture hiératique⁶.

Notes et références

1. ↑ ^{a, b, c, d, e, f et g} Mohamed Yacoub, Splendeurs des mosaïques de Tunisie, éd. Agence nationale du patrimoine, Tunis, 1995, p. 360
2. ↑ ^{a, b, c, d, e, f et g} Collectif, De Carthage à Kairouan. 2 000 ans d’art et d’histoire en Tunisie, éd. Association française d’action artistique, Paris, 1982, p. 201
3. ↑ ^a et b Mohamed Yacoub, op. cit., p. 359
4. ↑ ^a et b Abdelmajid Ennabli, Georges Fradier et Jacques Pérez, Carthage retrouvée, éd. Cérès / Herscher, Tunis / Paris, 1995, p. 115
5. ↑ ^a et b Abdelmajid Ennabli, Georges Fradier et Jacques Pérez, op. cit., p. 118
6. ↑ Abdelmajid Ennabli, Georges Fradier et Jacques Pérez, op. cit., p. 117

Voir aussi

Bibliographie

 

• Abdelmajid Ennabli, Georges Fradier et Jacques Pérez, Carthage retrouvée, éd. Cérès / Herscher, Tunis / Paris, 1995 
• Colette Picard, Carthage, éd. Les Belles Lettres, Paris, 1951
• Mohamed Yacoub, Splendeurs des mosaïques de Tunisie, éd. Agence nationale du patrimoine, Tunis, 1995 
• Collectif, De Carthage à Kairouan. 2 000 ans d’art et d’histoire en Tunisie, éd. Association française d’action artistique, Paris, 1982 

Articles connexes

• Mosaïque romaine

v · m Site archéologique de Carthage
Carthage punique	Tophet de Carthage •  Ports puniques de Carthage • Quartier Magon •  Byrsa • Quartier Didon • Fontaine aux mille amphores • Nécropole des Rabs
Carthage romaine	Thermes d’Antonin de Carthage • Citernes de La Malga • Amphithéâtre de Carthage • Cirque de Carthage • Colline de l’odéon et parc des villas romaines de Carthage • Cimetière des officiales de Carthage •  Byrsa • Fontaine aux mille amphores
Carthage chrétienne et byzantine	Basilique de Damous El Karita •  Basilique de Saint-Cyprien • Basilique Majorum • Édifice à colonnes de Carthage • Kobba Bent el Rey
Œuvres découvertes à Carthage	Inscription édilitaire de Carthage • Stèle du prêtre •  Mosaïque des chevaux • Mosaïque du seigneur Julius •  Autel de la Gens Augusta • Mosaïque de la Dame de Carthage •  Statuette de Ganymède • Trésor de Carthage
Autres	Histoire de Carthage • Liste des monuments disparus de Carthage • Musée national de Carthage • Musée paléo-chrétien de Carthage • Jeune homme de Byrsa

Le musée national de Carthage (المتحف الوطني بقرطاج) est un musée archéologique situé sur la colline de Byrsa au cœur de la ville de Carthageen Tunisie. C’est l’un des deux principaux musées archéologiques de Tunisie avec le musée national du Bardo.

Situé à proximité de la cathédrale Saint-Louis de Carthage, dans les locaux autrefois occupés par les Pères blancs, il permet au visiteur de se rendre compte de l’ampleur de ce qu’étaient les installations de la ville aux époques punique puis romaine¹.

Certaines des plus belles pièces trouvées dans les fouilles depuis le xix^e siècle s’y trouvent parmi lesquelles se trouve notamment une vaste collection de bétyles et de stèles provenant du tophet de Salammbô — les stèles de calcairefigurant des éléments sculptés, animaux, végétaux, voire humains sont particulièrement remarquables —, les sarcophages en marbre dits « du prêtre » et « de la prêtresse » (iii^e siècle av. J.-C.) découverts dans la nécropole « des Rabs », du matériel funéraire comme des masques à motifs apotropaïques et des bijoux en pâte de verre, des mosaïques romaines dont la célèbre « dame de Carthage », pièce majeure de l’art mosaïcal de l’Antiquité tardive, des éléments sculptés caractéristiques de l’art officiel impérial, en particulier la tête dite de Julie et des représentations de Victoires du ii^e siècle, et une vaste collection d’amphores romaines.

Musée du Louvre

Le musée du Louvre, inauguré en 1793 sous l’appellation Muséum central des arts de la République dans le palais du Louvre, ancienne résidence royale située au centre de Paris, est aujourd’hui le plus grand musée d’art et d’antiquités au monde. Sa surface d’exposition est de 72 735 m²⁶.

Fin 2016, ses collections comprenaient 554 731 œuvres, dont 35 000 exposées et 264 486 œuvres graphiques. Celles-ci présentent l’art occidental du Moyen Âge à 1848, celui des civilisations antiques qui l’ont précédé et influencé (orientales, égyptienne, grecque, étrusque et romaine), les arts des premiers chrétiens et de l’Islam.

Situé dans le 1^er arrondissement de Paris, sur la rive droite entre la Seine et la rue de Rivoli, le musée se signale par la pyramide de verre de son hall d’accueil, érigée en 1989 dans la cour Napoléon et qui en est devenue emblématique, tandis que la statue équestre de Louis XIVconstitue le point de départ de l’axe historique parisien.

Jusqu’en 2015, avec environ 8,5 millions de visiteurs annuels, le Louvre était le musée le plus visité au monde. Il est le site culturel payant le plus visité de France. Parmi ses pièces les plus célèbres figurent La Joconde, la Vénus de Milo, Le Scribe accroupi, La Victoire de Samothrace et le Code de Hammurabi.

Le Louvre possède une longue histoire de conservation artistique et historique, depuis l’Ancien Régime jusqu’à nos jours. À la suite du départ de Louis XIV pour le château de Versaillesà la fin du xvii^e siècle, on y entrepose une partie des collections royales de tableaux et de sculptures antiques. Après avoir durant un siècle hébergé plusieurs académies dont celle de peinture et de sculpture, ainsi que divers artisteslogés par le roi, l’ancien palais royal est véritablement transformé sous la Révolution en « Muséum central des arts de la République ». Il ouvre en 1793 en exposant environ 660 œuvres, essentiellement issues des collections royales ou confisquées chez des nobles émigrés ou dans des églises. Par la suite les collections ne cesseront de s’enrichir par des prises de guerre, acquisitions, mécénats, legs, donations, et découvertes archéologiques.

Le musée compte pour sa gestion 2 091 employés (fonctionnaires, contractuels et vacataires), dont 1 232 agents de surveillance, un garde pour chacune des 403 salles d’exposition, que complètent les effectifs affectés aux 900 caméras du système de télésurveillance⁷.

https://fr.wikipedia.org/wiki/Mosa%C3%AFque_de_la_Dame_de_Carthage

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Giacobbe Giusti, PISANELLO: Portrait d’une princesse d’Este

Giacobbe Giusti, PISANELLO: Portrait d’une princesse d’Este

Giacobbe Giusti, PISANELLO: Portrait d’une princesse d’Este

Artiste	Pisanello
Date	vers 1435-1440
Type	Huile sur bois de peuplier
Dimensions (H × L)	42 × 29,6 cm
Localisation	Musée du Louvre, Paris (France)
Numéro d’inventaire	RF 766

Le Portrait d’une princesse d’Este est un tableau de Pisanello représentant une jeune femme vue de profil, dont la silhouette se détache sur un fond de fleurs et de papillons. Peint vers 1435-1440¹, il est conservé à Paris au musée du Louvre.

Éléments historiques

Le tableau a été acquis vers 1860 par le consul allemand à Paris, Félix Bamberg. Charles Picard le vendit au musée du Louvre en 1893 pour la somme de trente mille francs. Il fut d’abord considéré comme une œuvre de Piero della Francesca. Adolfo Venturi fut le premier, en 1889², à publier le tableau comme une œuvre de Pisanello. Cette attribution fait aujourd’hui l’unanimité.

En 2015, le tableau a été confié au Centre de recherche et de restauration des musées de France (C2RMF). L’œuvre est dans un état de conservation exceptionnel pour un tableau du xv^e siècle, mais l’épais vernis teinté du xix^e siècle, avant l’entrée au musée du Louvre,. s’était assombri. Le laboratoire a procédé à l’amincissement modéré du vernis et a enlevé des repeints anciens. Ces opérations ont permis de montrer la présence d’importants repentir, et ont mis en évidence la carnation diaphane de la princesse qui a été travaillée en couches minces. Le fond sombre des feuillages a été élaboré avec des pâtes épaisses. Le ciel a été peint en dernier avec un subtil dégradé du bleu clair au bleu foncé en utilisant le lapis-lazuli. Déjà Giorgio Vasarilouait la beauté et l’intensité de son « azur outremer »³.

Sujet

La vue de profil, propre aux représentations médiévales de figures nobles, est utilisée pour cette figure que l’on identifiera comme une des princesses du temps autant pour le sujet que pour le modèle. Le critique d’art Gustave Geffroy nous la décrit ainsi : « Coiffée en forme d’œuf, les cheveux tirés sous une bandelette, le front bombé et ivoirin, le profil net, comme tracé par le médailleur qu’était Pisanello, la taille placée haut, les manches rouges, la robe blanche, la princesse de la maison d’Este est un singulier et vivant portrait peint sur un fond de fleurs et de papillons ».

Analyse

La question de l’identité du modèle reste ouverte. Adolfo Venturi, le premier, reconnut le motif brodé sur le tissu recouvrant l’épaule de la jeune femme, un vase à double anse. Il s’agit de l’emblème gravé par Pisanello sur les médailles à l’effigie de Nicolas III d’Este. Il identifia donc le modèle comme une des filles de Nicolas III.

Parmi les filles de Nicolas III, deux noms reviennent le plus souvent, Lucia d’Este (1419-1437) et Ginevra d’Este (1419-1440). Pour appuyer l’hypothèse de Lucia d’Este, on peut s’appuyer sur la ressemblance entre le modèle du tableau de Pisanello et le portrait de Lucia d’Este dans une miniature présentant chacun des membres de la maison d’Este. Les partisans de Ginevra d’Este rappellent la petite branche de genévrier qui est peinte dans l’encolure de la robe, et qui renverrait à son prénom Ginevra.

Une troisième hypothèse renvoie à Marguerite Gonzague, épouse de Lionel d’Este, de 1434 à 1440. Le genévrier peut également lui être associé. Elle fit son entrée à Ferrare, dans une allée couverte de genévriers plantés en terre. D’autre part, les couleurs du vêtement du modèle sont celles des Gonzague : le blanc, le rouge, et le vert.

Il paraît probable que le tableau fut commandé à Pisanello à la mort du modèle, qu’il s’agisse de Lucia d’Este, morte en 1437, de Ginevra d’Este, morte en 1440 (la jeune femme, mariée à 14 ans à Sigismondo Malatesta, seigneur de Rimini, aurait été empoisonnée par celui-ci dans le but d’en épouser une autre), ou de Marguerite Gonzague, morte également en 1440. En effet, les ancolies et les œillets sont des symboles de mort et de douleur. De plus, le grec utilise le même mot, Ψυχή (psyché), pour désigner les papillons et l’âme.

Notes et références

1. ↑ « Portrait d’une jeune princesse  » [archive], notice sur louvre.fr.
2. ↑ A. Venturi, La scoperta di un ritratto estense del Pisanello in : Archivio Storico dell’Arte, 1889.
3. ↑ Dominique Thiébaut, Annie Hochart-Giacobbi, La mystérieuse princesse de Pisanello, p. 76-81, dans Grande Galerie. Le Journal du Louvre, n^o 36, juin/juillet/août 2016

Annexes

Liens externes

• Notice n^o 1241 [archive], base Atlas, musée du Louvre

Bibliographie

 : document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

• D. Cordellier, La Princesse au brin de genévrier, RMN, 1996.
• Lionello Puppi (avec des contributions de Donata Battilotti, Elena Filippi, Tiziana Franco, Barbara Mazza, Monica Moltoni, Ruggero Rugolo), Pisanello, Hazan, 1996.
• (it)AA.VV., L’opera completa di Pisanello, Rizzoli, Milan, 1966
• (it)Pierluigi De Vecchi ed Elda Cerchiari, I tempi dell’arte, volume 2, Bompiani, Milan, 1999

Portrait of Princess is a tempera painting on panelattributed to the Italian Late-Gothic master Pisanello. It was probably executed between 1435 and 1449 and is also known as Portrait of a Princess of the House of Este. It is firmly attributed to Pisanello on stylistic grounds and because he stayed in Ferrara in the period, where he also finished a portrait and a celebrative medalof Marquis Leonello d’Este.

The princess is shown in profile against a background of numerous butterflies and columbine flowers. The butterfly(it seems a Vanessa atalanta) near the princess’ brow is a symbol of the soul.

The painting is currently housed and exhibited in the Musée du Louvre in Paris, France.

Портрет Джиневры д’Эсте

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Пизанелло

Портрет принцессы. 1435—1440

Portrait d’une jeune princesse

Дерево, темпера. 43 × 30 см

Лувр, Париж

Изображения на Викискладе

Запрос «Портрет принцессы» перенаправляется сюда; о рисунке Леонардо да Винчи см. Женский портрет в профиль.

«Портрет принцессы» (фр. Portrait d’une jeune princesse, 1435—1440) — картина кисти итальянского живописца раннего кватроченто Пизанелло. Известна также как «Портрет принцессы из дома Эсте» и приписывается Пизанелло во многом потому, что он находился в Ферраре в то время и создал портрет и памятную медаль, изображавшие маркиза Леонелло д’Эсте.

Сюжет

Принцесса изображена в профиль, на фоне бабочек и цветов водосбора. Считается, что это портрет Джиневры д’Эсте, хотя вначале полагали, что на картине запечатлена Маргарита Гонзаго, жена Леонелло д’Эсте. Этот портрет рассматривался как часть композиции, второй половиной которой являлся портрет Леонелло. Противники этой версии утверждают, что обычно картины, изображавшие супружеские пары, имели одинаковые размеры и фон. Помимо этого, цветы на картине не принадлежат к символам Гонзаго, на ней присутствует лишь ваза — символ д’Эсте.

Джиневра д’Эсте вышла замуж за правителя Римини Сиджизмондо Пандольфо Малатеста и была убита им, когда он узнал о её бесплодности. Наличие на картине цветов водосбора (символ брака, но также символ смерти) привело к гипотезе, что Пизанелло написал портрет Джиневры после её смерти, в 1440-х гг.

Тщательная прорисовка деталей фона и красочность атмосферы полотна — типичные элементы стиля поздней (интернациональной) готики, выдающимся представителем которого в северной Италии являлся Пизанелло.

Символика

• бабочка = символ духа.
• цветы водосбора = символ брака, плодовитости и женской смерти.
• гвоздики = символ брака, плодовитости.
• ваза (на рукаве платья Джиневры) = символ дома Эсте; если бы это был свадебный портрет, то на нём были бы изображены символы домов жениха и невесты.
• ветка можжевельника = (итал. ginepro) восходит к имени Джиневра (итал. Ginevra) и, поскольку является символом женской смерти, относится к умершей Джиневре.

Musée du Louvre

La pyramide dans la cour Napoléon.

Le musée du Louvre, inauguré en 1793 sous l’appellation Muséum central des arts de la République dans le palais du Louvre, ancienne résidence royale située au centre de Paris, est aujourd’hui le plus grand musée d’art et d’antiquités au monde. Sa surface d’exposition est de 72 735 m²⁶.

Fin 2016, ses collections comprenaient 554 731 œuvres, dont 35 000 exposées et 264 486 œuvres graphiques. Celles-ci présentent l’art occidental du Moyen Âge à 1848, celui des civilisations antiques qui l’ont précédé et influencé (orientales, égyptienne, grecque, étrusque et romaine), les arts des premiers chrétiens et de l’Islam.

 

https://fr.wikipedia.org/wiki/Mus%C3%A9e_du_Louvre

https://fr.wikipedia.org/wiki/Portrait_d%27une_princesse_d%27Este

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Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

 

Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

Reconstitution de la face historique.

Artiste	Inconnu
Date	vers 2460 av. J.-C.
Type	Calcaire
Technique	Sculpture
Dimensions (H × L × l)	180 × 130 × 11 cm
Localisation	Musée du Louvre, département des Antiquités Orientales du Louvre, Paris (France)
Numéro d’inventaire	AO 16109, AO 50, AO 2346, AO 23481

La stèle des vautours, ou stèle de victoire d’Eannatum, roi de Lagash, est une stèle historiée datée des dynasties archaïques III (2500-2340 av. J.-C.), vers 2450 av. J.-C.commémorant la victoire de la cité-ÉtatLagash sur sa rivale Umma. Elle a été exhumée en état fragmentaire sur le site de Tello (l’antique Girsu) en Mésopotamie. Il s’agit de la première stèle historiée connue, insistant sur une victoire militaire et le rôle guerrier du souverain. Elle est conservée au département des Antiquités Orientales du musée du Louvre.

Contexte historique

Cette stèle commémore la victoire de la cité de Lagash sur son ennemie Umma vers 2340 av. J.-C. Le conflit opposait les deux cités en raison d’un bout de terrain attribué par le roi de Kish Missilim à Lagash un siècle plus tôt mais que revendiquait la cité d’Umma.

La stèle présente sur ses deux faces un texte en sumérien de 830 lignes, écrit à la première personne au nom du roi Eannatum afin de glorifier sa victoire. Il s’agit du plus important document historique de l’époque des dynasties archaïques.

Description

Face historique

La stèle présente deux faces : l’une historique, l’autre mythologique. La première face illustre la bataille ayant opposé les cités de Lagash et de Umma. Elle est divisée en cinq registres.

Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

Les vautours emportant les restes des ennemis vaincus

Seul un fragment du premier registre, extrêmement parcellaire comme l’ensemble de la stèle, est aujourd’hui conservé en haut à droite de l’œuvre. Il donne son nom à la stèle puisque l’on y voit un groupe de vautours dévorant des restes humains. Le spectateur doit ici comprendre que les restes humains sont ceux des soldats de la cité d’Umma, ennemie de Lagash dont le roi Eannatum a fait ériger la stèle.

Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

Détail du deuxième registre

Au second registre, plus complet, les troupes de Lagash s’avancent en rang, armées de lances et de boucliers, piétinant les corps de leurs adversaires, menées par leur roi vers ces derniers. Ceux-ci sont d’ores et déjà vaincus. Les soldats de la cité d’Umma sont ainsi représentés dénudés, attachés, entassés les uns sur les autres. On observe une profonde dichotomie dans la scène entre d’une part les troupes d’Eannatum, puissantes, organisées, où tous les soldats sont exactement identiques, dans une stricte isocéphalie alors que les soldats d’Umma sont chétifs, vaincus et désorganisés. Eannatum est quant à lui reconnaissable à sa coiffe, caractéristique des souverains de cette période. Le musée de Bagdaden conserve d’ailleurs un exemplaire, daté de cette période, ayant appartenu à Meskalamdug, prince de la cité d’Ur. Il s’agit d’un casque en or, reproduisant la chevelure et les oreilles du roi. Ce dernier n’est pas représenté en taille héroïque vis-à-vis de ses soldats. Le souverain n’est à cette époque qu’un administrateur au service du dieu de la cité, Ningirsu. Cette stèle est pour autant la première connue à faire l’éloge d’un souverain, idéologie qui sera considérablement développée lors de la période suivante, à Akkad, comme sur la stèle de victoire du roi Naram-Sin.

Détail du troisième registre, avec à droite un gros-plan d’Eannatum.

Le troisième registre voit s’avancer l’armée de Lagash avec à nouveau à sa tête Eannatum. Ce dernier est ici monté sur un char dont ne subsiste aujourd’hui qu’une partie et s’apprête à donner un coup de lance dans la direction des soldats d’Umma. Néanmoins, cette partie de la stèle est aujourd’hui détruite. Il s’agit du défilé après la victoire. Le kaunakès porté par les soldats et le roi est ici clairement visible. Cette longue robe en mèches laineuses se retrouve sur toutes les représentations de l’époque.

Au quatrième registre, ont lieu les rituels suivant la bataille. Les corps des défunts empilés à gauche sont recouverts d’un tumulus dont la construction est l’œuvre des personnages grimpant à une échelle pour y déverser la terre qu’ils transportent dans des paniers. À côté, se trouve un prêtre en nudité rituelle procédant à des libations devant un personnage assis dont il ne reste plus que les pieds, soit le roi, soit le dieu de la cité.

Enfin, le registre inférieur n’est conservé que dans une très faible mesure. Seule une lance tenue par une main est visible, atteignant la tête d’une personnage situé à l’opposé du registre. Il s’agit probablement là du roi Eannatum exécutant son adversaire, le roi d’Umma.

Face mythologique

Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

Reconstitution de la face mythologique

Sur le premier registre, Ningirsu assenant un coup de massue au roi d’Umma.

Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

Texte figurant sur la partie droite du fragment du second registre.

La face mythologique de la stèle n’est quant à elle composée que de deux registres. Le premier, occupant les deux tiers de la hauteur, nous montre le dieu Ningirsu, reconnaissable à sa très grande taille, tenant dans sa main gauche son animal attribut, l’aigle léontocéphale Anzû. Celui-ci tient dans ses serres deux lions formant les poignées d’un grand filet dans lequel sont entassés des hommes. Il s’agit là des ennemis de Lagash, capturés lors de la bataille et offerts à Ningirsu. Ce dernier, de sa main droite assène un coup de massue sur la tête de l’un d’entre eux dont la tête dépassait du filet, le roi d’Umma. À la droite du dieu, se trouve Ninhursag, mère de Ningirsu qui lui avait offert Anzû.

Au second registre, le dieu également représenté, sur un char cette fois-ci, probablement tiré par des animaux fantastiques (aujourd’hui disparus) faisant face à sa mère.

1. ↑ Noticen^o 9737 [archive], base Atlas, musée du Louvre

Annexes

• Stèle des vautours,

Articles connexes

• Lagash
• Période des dynasties archaïques
• Conflits entre Lagash et Umma

Liens externes

• Notice n^o 9737 [archive], base Atlas, musée du Louvre
• « Descriptions sur le site du Musée de Louvre » [archive] (consulté le 19 août 2012)

Bibliographie

 : document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

• Agnès Benoit, Art et archéologie : Les civilisations du Proche-Orient Ancien, Paris, Réunion des Musées Nationaux, École du Louvre, coll. « Manuels de l’École du Louvre », 2007, p. 224-225
• Edmond Sollberger et Jean-Robert Kupper, Inscriptions royales sumériennes et akkadiennes, Paris, Le Cerf, coll. « Littératures anciennes du Proche-Orient », 1971, p. 47-58 (traduction de l’inscription)
• (en) Irene Winter, « After the Battle is Over: The ‘Stele of the Vultures’ and the beginning of Historical Narrative in the Ancient Near East », dans Pictorial Narrative in Antiquity to the Middle Ages, Washington, National Gallery of Art, coll. « Studies in the history of art », 1985, p. 11–32

Giacobbe Giusti, Stèle des vautours

Fragment of the Stele of the Vultures
Material	Limestone
Size	height: 1.80 metres (5 ft 11 in) width: 1.30 metres (4 ft 3 in) thickness: 0.11 metres (4.3 in)
Writing	Sumerian cuneiform
Created	Early Dynastic III period (2600–2350 BC)
Discovered	Tello, Iraq
Present location	Musée du Louvre, Paris
Identification	AO 16 IO9, AO 50, AO 2246, AO 2348
Registration	CDLI P222399

The Stele of the Vultures is a monument from the Early Dynastic III period (2600–2350 BC) in Mesopotamia celebrating a victory of the city-state of Lagash over its neighbour Umma. It shows various battle and religious scenes and is named after the vultures that can be seen in one of these scenes. The stele was originally carved out of a single slab of limestone, but only seven fragments are known today. The fragments were found at Tello (ancient Girsu) in southern Iraq in the late 19th century and are now on display in the Louvre.

Discovery

The stele is not complete; only seven fragments are known today. The first three fragments were found during excavations in the early 1880s by the French archaeologist Ernest de Sarzec at the archaeological site of Tello, ancient Girsu, in what is today southern Iraq. Another three fragments came to light during the excavations of 1888–1889. A seventh fragment, which was later determined to be part of the Stele of the Vultures and thought to have come from Tello, was acquired on the antiquities market by the British Museum in 1898. While two initial requests to hand this fragment over to the Louvre were denied by the British Museum, it was eventually given to them in 1932 so that it could be incorporated in the reconstructed stele together with the other fragments.^[1]

The stele

The complete monument, as reconstructed and now in display in the Louvre, would have been 1.80 metres (5 ft 11 in) high, 1.30 metres (4 ft 3 in) wide and 0.11 metres (4.3 in) thick and had a rounded top. It was made out of a single slab of limestone with carved reliefs on both sides.^[2] The stele can be placed in a tradition of mid- to late-third millennium BC southern Mesopotamia in which military victories are celebrated on stone monuments. A similar monument is the Victory Stele of Naram-Sin, created during the Akkadian period that followed on the Early Dynastic III period.^[3]

The two sides of the stele show distinctly different scenes and have therefore been interpreted as a mythological side and a historical side. The mythological side is divided into two registers. The upper, larger register shows a large male figure holding a mace in his right hand and an anzu or lion-headed eagle in his left hand. The anzuidentifies the figure as the god Ningirsu. Below the anzu is a large net filled with the bodies of naked men. Behind Ningirsu stands a smaller female figure wearing a horned headband and with maces protruding from her shoulders. These characteristics allow the figure to be identified as the goddess Ninhursag. The lower, smaller register is very badly preserved but, based on comparisons with contemporary depictions, it has been suggested that it depicted the god Ningirsu standing on a chariot drawn by mythological animals.^[2]

A fragment of the Stele of the Vultures showing vultures with severed human heads in their beaks and a fragment of cuneiform script

The historical side is divided into four horizontal registers. The upper register shows Eannatum, the ensi or ruler of Lagash, leading a phalanx of soldiers into battle, with their defeated enemies trampled below their feet. Flying above them are the vultures after which the stele is named, with the severed heads of the enemies of Lagash in their beaks. The second register shows soldiers marching with shouldered spears behind the king, who is riding a chariot and holding a spear. In the third register, a small part of a possibly seated figure can be seen. In front of him, a cow is tethered to a pole while a naked priest standing on a pile of dead animal bodies performs a libation ritual on two plants spouting from vases. Left of these scenes is a pile of naked bodies surrounded by skirted workers with baskets on their head. Only a small part of the fourth register has been preserved, showing a hand holding a spear that touches the head of an enemy.^[2] Some Sumerologists have proposed reconstructing a caption near the enemy as « Kalbum, King of Kish ».^[4]

The inscriptions on the stele are badly preserved. They fill the negative spaces in the scenes and run continuously from one side to the other. The text is written in Sumerian cuneiform script. From these inscriptions, it is known that the stele was commissioned by Eannatum, an ensi or ruler of Lagash around 2460 BC. On it, he describes a conflict with Umma over a tract of agricultural land located between the two city-states.^[2] The conflict ends in a battle in which Eannatum, described as the beloved of the god Ningirsu, triumphs over Umma. After the battle, the leader of Umma swears that he will not transgress into the territory of Lagash again upon penalty of divine punishment.^[5]

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  Upper register of the « mythological » side

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  Another fragment

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  Detail of the « battle » fragment

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  Detail of the « battle » fragment

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  Reconstruction of the layout of the « historical » side

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  Reconstruction of the layout of the « mythological » side

References

1. Jump up^ Barrelet, Marie-Thérèse (1970). « Peut-On Remettre en Question la « Restitution Matérielle de la Stèle des Vautours »? ». Journal of Near Eastern Studies (in French). 29 (4): 233–258. doi:10.1086/372081. JSTOR 543336.
2. ^ Jump up to:^a b c d Winter, Irene J. (1985). « After the Battle is Over: The ‘Stele of the Vultures’ and the Beginning of Historical Narrative in the Art of the Ancient Near East ». In Kessler, Herbert L.; Simpson, Marianna Shreve. Pictorial Narrative in Antiquity and the Middle Ages. Center for Advanced Study in the Visual Arts, Symposium Series IV. 16. Washington DC: National Gallery of Art. pp. 11–32. ISSN 0091-7338.
3. Jump up^ Pollock, Susan (1999). Ancient Mesopotamia. The Eden that Never Was. Case Studies in Early Societies. Cambridge: Cambridge University Press. p. 181. ISBN 978-0-521-57568-3.
4. Jump up^ Thorkild Jacobsen, Toward the image of Tammuz and other essays on Mesopotamian history and culture 1970, p. 393; Eva Strommenger, Five thousand years of the art of Mesopotamia 1964 p. 396
5. Jump up^ Frayne, Douglas R. (2008). Presargonic Period (2700-2350 BC). Royal Inscriptions of Mesopotamia: Early Periods. 1. Toronto: University of Toronto Press. pp. 126–140. ISBN 978-0-8020-3586-8.

https://en.wikipedia.org/wiki/Stele_of_the_Vultures

http://www.giacobbegiusti.com

Giacobbe Giusti, Raphaël: La Sainte Famille de François Ier

Giacobbe Giusti, Raphaël: La Sainte Famille de François Ier

Giacobbe Giusti, Raphaël: La Sainte Famille de François Ier

Artiste	Raphaël
Date	1518 env.
Commanditaire	Léon X
Type	huile sur bois transférée sur toile
Dimensions (H × L)	207 × 140 cm
Mouvement	Haute Renaissance
Localisation	Musée du Louvre, Paris (France)
Numéro d’inventaire	INV 604

La Sainte Famille de François I^er ou Sainte Famille avec sainte Élisabeth, le petit saint Jean et deux anges, ou encore La Grande Sainte Famille de François I^er est une peinture à l’huile sur bois transférée sur toile en 1751(207 × 140 cm), signée et datant de 1518 environ, du peintre Raphaël et de son atelier, conservée au Musée du Louvre de Paris.

Histoire

Le tableau a été commandé par le pape Léon X et envoyé comme un cadeau au roi de France, François I^er, en 1518.

L’ange qui couronne de fleurs la Vierge Marie est une référence à la maternité récente de la reine Claude de France.

Le travail est signé par Raphaël, mais il est probable que la plupart de la composition a été exécutée par son atelier et ses assistants.

En effet les critiques d’art attribuent à Giovanni da Udine le bouquet et le pavement de marbre, et à Giulio Romano, auteur probable les figures de sainte Élisabeth et du petit saint Jean.

Thème

Conformément à l’iconographie chrétienne de la Sainte Famille, le tableau représente Marie et l’Enfant Jésus accompagnée de Joseph, de sainte Elisabeth et son fils saint Jean-Baptiste.

Description

Le groupe de la Vierge à l’Enfant trône au milieu de la composition, Marie, dans sa robe rouge, orientée vers la gauche, assise en appui sur l’extrémité de son pied gauche équipée d’une sandale, soutient l’Enfant jésus, nu, sortant de son berceau en bois sculpté, dont la jambe droite est encore sur un coussin blanc à gland doré. Leurs pieds qui reposent sur un sol à tomettes, chiqueté de marbre, sont les seuls visibles.

À gauche du tableau, Élisabeth, visage buriné et mains calleuses, portant turban, tient serré dans ses bras, le petit saint Jean les mains jointes enserrant son roseau croisé, qui semble attraper, par un effet perspectif, l’auréole de Jésus.

Au-dessus de Marie, un ange porte, une couronne de fleurs. Un autre personnage émerge entre eux les mais sur la poitrine.

On aperçoit Joseph dans la partie haute à droite, appuyé sur le coude gauche, le bras droit replié sous lui, dans une pose songeuse, la tête reposant sur sa main gauche repliée vers le bas, regardant vers la mère et l’enfant.

Tous les personnages saints portent une auréolelimitée à un cercle doré et fin.

La composition se termine, en fond par une ouverture en haut à gauche dévoilant un petit paysage brumeux de montagnes bleutées.

Analyse

La Grande Sainte Famille témoigne du style tardif de Raphaël, par la monumentalité des figures inspirées de Michel-Ange, la maîtrise spatiale, et le luminisme sombre de Léonard de Vinci¹.

Notes et références

• (en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « The Holy Family of Francis I (Raphael) » (voir la liste des auteurs).

1. ↑ Notice de cartelfr.louvre.fr

https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Sainte_Famille_de_Fran%C3%A7ois_Ier

http://www.giacobbegiusti.com